Wonder Woman, el origen de las amazonas.

Hoy traigo una sorpresa para celebrar el estreno en España de la película WonderWoman, aunque por problemas técnicos, ese estreno se de en mi canal dos días después.

Y es que tras varios años sin trabajar lo audiovisual salvo para ayudar a @PaulmendezYT con sus montajes y participar en algún que otro concurso, he decidido sacarle provecho a una de mis pasiones favoritas trayéndoos dentro de este blog un nuevo formato de vídeo-entrada.

No obstante, me estreno como locutora, así que espero que en ese aspecto seáis misericordiosos conmigo ya que no os imagináis las veces que he tenido que repetirlo para lograr traeros algo medianamente decente.

Si veo que este formato de vídeo-ensayo os gusta me encantaría continuar haciéndolos así que no dudéis en comentar para que pueda conocer vuestra opinión.

No me alargo más y os dejo con este doble estreno:

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En las profundidades de Oscar Wilde

Siempre había intentado terminar la novela “De profundis” de Oscar Wilde. Como ciertas películas y libros, ella me observaba atenta desde su estante, tentándome, hasta que la agarraba, la ojeaba y la volvía a cerrar sin conseguir llegar a comprenderla. Comprender porque ha de ser tan larga una carta y comprender porque ha de ser entretenido leer las penurias a las que fue sometido este pobre escritor durante 200 páginas. Hasta hoy.

Como bien supo ver su amigo Robert Ross al publicar esta carta con dicho título, no hay nada más profundo que adentrarse en la mente del artista a partir de su correspondencia, como tampoco hay momento más hondo en la vida de su amigo que las experiencias guardadas en esta carta. “De profundis” se convierte  en el confesionario manuscrito de Wilde quien, mientras abre los ojos a su pasado, lo acepta y logra coger fuerzas para mirar con esperanza hacia el futuro, volviendo a la caverna para intentar, por última vez, salvar el alma de su amante Lord Alfred Douglas, también llamado Bosie, causante de todo su dolor, sus desgracias y su condena.

Nacido en Dublín en 1847 en el seno de una rica familia burguesa, a Oscar Wilde se le conoce por ejemplificar el ideal del dandysmo inglés del siglo XIX, es decir, se convierte en aquel intelectual burgués que asciende a una clase superior  a través de su personalidad, su vestimenta y su relación con el presente que le rodea. Tal y como dijo Baudelaire, se convierten en la última revelación del heroísmo en una época de decadencia, una puesta de sol, el último rayo radiante del orgullo humano. Oscar Wilde, con su inusitada sensibilidad, admirando la infructuosa existencia del arte, convierte su vida en una experiencia igual de inolvidable e insustituible y, en consecuencia, en una crítica social viviente.  Artísticamente, sus obras ejemplifican el esteticismo literario inglés de finales del XIX, al tiempo que se reconocen, como a se reconoce a si mismo, por su propensión a la paradoja, al excentricismo y su cuidada belleza sintáctica. Una protesta viviente contra una época igualitaria, trivial y utilitaria “en la cual no sabemos aprovechar nada”.

 

“Yo era una encarnación del arte y la cultura de mi época”                                        “Desperté la imaginación de mi siglo”

 

En “De profundis” nos adentramos en la consciencia de un artista atormentado. Un artista que es consciente del papel que desempeña en su mundo y de la responsabilidad que su don espera de él; y que, ahora, afligido por el abandono de su arte durante los años de derroche y caprichos vividos junto a su amante, antepone la esperanza al resentimiento haciendo un bonito canto al dolor. Wilde, paladín del placer, en la cárcel se reconcilia con su dolor, pues vislumbra que, tal y como Cristo supo ver, el pecado y el dolor son caminos hacia la perfección.“El placer para el cuerpo es hermoso; para la belleza del alma, el dolor”. Un camino que se recorre en soledad, en una concepción cada vez más individualista de la vida, en la que antepondrá su propia evolución personal al exigente mundo. Luchar por desarrollar su arte, pues tanto el dolor como el amor son la piedra de toque del gran arte, de la perfección, de Dios.

Finalmente el odio de su amante hacia su padre y la fama que conseguiría este vejando la figura del famoso Wilde como sodomita, hicieron de una guerra externa el fin de un gran artista. Y es que, pese a las esperanzas recogidas en esos dos años de cárcel, morirá tres años más tarde a principio de su nueva vida, pobre, solitario y en agonía…

 

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Ilustración de… una de las novelas de Oscar Wilde, por la diseñadora Madame Yna Majeska. 1930. Fuente: The British Library Board.

 

 

Como siempre, espero que os haya gustado esta nueva entrada y que os anime a leer con detenimiento este libro tan conmovedor. Pues solo con minuciosidad y, tal y como dice Wilde, “imaginación”, se puede disfrutar de la belleza oculta de sus palabras.

– Fuente: Wilde, Oscar. (1999), De profundis. Madrid, España: Edimat Libros, S. A. (con el estudio preliminar de Carmelo Sánchez Castro.)

Harley Quinn, ejemplo a seguir en la gran pantalla.

El viernes fui al estreno de la película “Suicide Squad”, la cual llevaba esperando con muchísima emoción desde la difusión de cada uno de sus fantásticos tráilers. He de admitir que odio las películas de superhéroes. Me aburren. Pero soy una ferviente amante de la dirección artística, fotográfica y sonora de una película; en general de toda su estética, y por lo tanto, aunque el guión flojease podría ir y soportarlo, viendo las expectativas visuales que nos prometían estos tráilers. Aún así, ya de primeras puedo confirmar que la película tuvo muchísimas carencias en el resto de campos: guión, montaje y dirección. Pero bueno, de eso hay ya mil críticas y que cada uno se haga la suya propia al ver la película. Tristemente lo único que al final logró emocionarme es ver de nuevo en escena a Joel Kinnaman, mi querido detective Holder de la serie The Killing. Uno de los pocos ejemplos de series policíacas decentes de la televisión.

Yo en cambio prefiero abrir el debate a otra cuestión. Desde las primeras fotos y tráilers han llovido multitud de críticas en torno a una de sus protagonistas principales, la cómica arlequín Harley Quinn, compañera sentimental del Joker. Y es que detrás de su aparente carisma y atractivo diseño, esconde un sombrío pasado que crea una profunda controversia en el presente.

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¿Qué oculta esta villana?

Harley Quinn surgió en 1992 unida al diabólico personaje del Joker en la serie animada de “Batman: The Animated Series” convirtiéndose desde entonces en una de las villanas favoritas del universo DC.  No pretendo hacer un monográfico sobre ella, no conozco el universo DC, pero digamos que fue creada  al cuestionarse sus guionistas cómo sería la novia del Joker. Es por tanto, a raíz de la psicología del Joker, loca, narcisista y manipuladora; cuando se decide crear un personaje débil al que pudiera dominar, apareciendo en pantalla la psiquiatra Harleen Quinzel, terapeuta del Joker en prisión. Pero en una mente tan perversa no cabe el amor. Manipulada, se enamorará profundamente del Joker hasta el punto de aceptar sus insultos y torturas, apareciendo con ellos su locura y en consecuencia el personaje que todos admiran y conocen: Harley Quinn. 

Así que me pregunto, ¿Como un personaje con una existencia tan trágica puede ser tan admirado? Y es que este personaje se ha convertido en un icono femenino, a veces incluso admirada por su fortaleza, lo cual es peor. Los espectadores se quedan con su primera impresión: su diseño rimbombante, su sentido del humor y su “inocente” sensualidad. Su fidelidad al Joker y su amor incondicional. Pero, ¿donde están los límites? Al fin y al cabo Harley Quinn y el Joker representan una relación regida por el maltrato y la sumisión. Es entonces cuando el espectador se suele hacer la primera pregunta: ¿deberíamos mostrarlo o modificarlo?

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 El sentido de responsabilidad en el arte

¿Hasta qué punto el arte se siente en la obligación de enseñar al espectador? ¿Cuál es la responsabilidad que tiene el artista con su sociedad? Se ha debatido mucho al respecto. Conocemos la labor comunicativa de las inscripciones antiguas e incluso la labor didáctica que emprendían las imágenes religiosas en la Edad Media. Durante la Edad Moderna el arte, con sus retratos, bodegones y batallas, mantiene su carácter evocador: ensalzar las posesiones de su propietario. Hasta que a finales del siglo XVIII con la creación de las primeras exposiciones, el artista empieza a crear para un público más amplio y no solamente para su protector, apareciendo entonces la dichosa pregunta ¿hasta qué punto el arte siente una responsabilidad cívica con su sociedad?

Hoy día, con la lucha por la igualdad de género se han suprimido muchas imágenes y anuncios fuera de lugar. Prevalece la moral por encima de la publicidad. Por tanto, es inevitable pensar acerca de la tóxica relación que ejemplifican Harley Quinn y el Joker en la gran pantalla. Juzgan tanto el mal ejemplo de su relación como la mala impresión que causa el vestuario de la nueva Harley Quinn en los jóvenes. Una pregunta que llegué a hacerme yo misma al ver la película y que aquí expongo a debate. Pero, ¿acaso no es Harley Quinn una villana? No se le puede pedir que sea un ejemplo a seguir, como tampoco se lo piden al Joker. Si tuviéramos que eliminar toda acción o personaje inmoral en el arte, ya sea en el cine como en la literatura, nos quedaríamos sin obras.

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Saturno devorando a su hijo de Goya, Las controversias de los monumentos políticos como El Valle de los Caídos, y la Venus del espejo de Velázquez la cual fue atacada por una sufragista feminista en 1914.

 

“El arte ejemplifica esa diversidad, nos habla tanto del bien como del mal.”

No puede valorarse el arte por el ejemplo que produce en su sociedad. No podemos suprimir la maja desnuda de Goya por su sensualidad, el Guernica por su desgarradora historia o El valle de los caídos por su controvertida existencia, precisamente porque esos valores aumentan aún más el sentido de su existencia. El arte con su historia no pretende ser un ejemplo a seguir, el arte precisamente pretende ejemplificar esa diversidad. Nos habla tanto de bien como de mal. Son instantáneas de un libro cuyo objetivo es conmover. ¿Si no nos plantearíamos censurar por ejemplo a Bukowski, porqué nos planteamos censurar historias similares en otras artes? El debate, por tanto, no consiste en suprimir la relación del Joker y Hayley Quinn en la gran pantalla, sino que el espectador conozca su historia y lo que el autor quiso expresar.

Así, continuamos con la polémica de sus panties. Margot Robbie admitió haber tardado un año en prepararse físicamente para poder calzarse esos pantalones. Sólo con ese dato, a la it-girl más superficial se le deberían quitar las ganas de llevar uno. He de decir a su favor que he visto personajes femeninas más sexualizadas, e incluso el propio personaje de Harley vistió peor en alguno de sus videojuegos….Tristemente puedo decir que gracias a la costumbre ya no me asombro. No voy pecar de inocente y justificar sus pantalones. Obviamente si se los acortaron durante el rodaje es porque vende más. La realidad es que esos panties se convierten en un objeto más de la subordinación de la mujer a su público masculino. Pero, ¿no es esa al fin y al cabo la verdadera identidad de Harley? ¿Ser el objeto sexual del Joker, ser la representación total de la mujer dominada?

Quiero ser positiva y pensar que, con suerte, ella y sus pantalones, con los nuevos estereotipos de mujer en el cine, podrían convertirse en el máximo ejemplo de la última representación del prototipo sometido de mujer… Sea como sea, mientras las jóvenes conozcan la realidad de su historia sólo puedo decir que, aunque a mi también me guste en conjunto el diseño del Joker y de Harley Quinn, no me gustaría calzarme esos pantalones.

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Evolución de algunos de los vestuarios de Harley Quinn.

 

Bueno como veis hoy a tocado reflexión. Como siempre, si os ha gustado darle a like y si no os ha gustado o no estáis de acuerdo con alguno de mis argumentos- que es probable dado la problemática del tema- ¡comentad! Estaré encantada de leerlo y debatirlo.

Hasta pronto.

 

 

Los artistas en la Guerra Civil Española. 1. Los cartelistas.

Por el 80 aniversario de la Guerra civil española continuamos con el apartado  “Los artistas en la guerra civil española”con el fin de introducirla a través de las labores que ejercieron sus artistas en ella. Hoy voy a explicar una de sus tareas más representativas, el diseño de carteles de propaganda política para ambos bandos.

 

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Alexandre de Riquer, uno de los más importantes cartelistas del modernismo catalán. MNAC

 

¿Cuando surgió el cartel?  Para ello debemos conocer qué es el cartel y cuál es su función. Antes de la invención del cartel ya existían las señales, hitos e ilustraciones que acompañaban a textos, pero esa combinación imagen-texto con soporte independiente al conjunto del periódico y duración efímera al acontecimiento que presentan, surgió a finales del siglo XIX principios del XX, sobre todo vinculado a las nuevas necesidades de propaganda comercial que se crearon con la aparición de la nueva sociedad de consumo. En España estuvieron principalmente vinculados a la necesidad de difundir festejos taurinos y patronales. La tranquilidad de los primeros años del siglo XX ligó al cartel con el movimiento del Art Nouveau, bailes de máscaras, fiestas y exposiciones. El cartel político, en cambio, tiene una vida más corta pues empezó a desarrollarse durante el siglo XX vinculado a las grandes guerras, y aquí en España durante la guerra civil.

 

 Los carteles se producían mediante la técnica de la litografía surgida a final del siglo XVIII. Ella consistía en dibujar con un lápiz de grafito sobre una plancha de zinc, la cual a continuación se mojaba y se cubría de tinta con un rodillo, tinta que quedaba adherida al dibujo graso debido a que el agua repele las tintas grasas de la plancha. Cada color solía requerir una plancha, las cuales a continuación se estampaban una por una sobre un mismo papel gracias a un torno, repitiendo el proceso para cada uno de los carteles. Ya os podéis imaginar lo lento y laborioso que se hacía el proceso.

Fontsere nos da una idea de lo importante que fue el cartel en la época de la guerra civil:

“El cartel daba unas consignas; pensar que entonces no había Televisión […]  El cartel, con sus colores llenando las paredes de las ciudades, realmente tuvo un impacto tremendo, y contribuyó, al menos, a crearse ambiente de lucha. La prueba es que los partidos lucharon dialécticamente a través del cartel.

 

 

1. Nacionales

Los bandos se distinguían por su ideología la cual a su vez quedaba reflejada 

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Distintivo del partido unido de la FET y de la JONS. El yugo y las flechas con el color rojo sangre y negro pólvora.

gráficamente en sus carteles. Los carteles del bando sublevado, apoyado principalmente por el Ejercito, la Iglesia, conservadores de los partidos de la CEDA, de la FET y de la JONS, monárquicos y grandes terratenientes; todas aquellas instituciones que estaban perdiendo sus privilegios con las nuevas leyes creadas durante la república, se ganaban el apoyo del pueblo ensalzando la unidad de España, la fe y el catolicismo, y usando símbolos triunfalistas que abarcaban desde el yugo y las flechas de los reyes católicos, al águila bicéfala del escudo del emperador Carlos V, hasta una profunda influencia de símbolos tomados del fascismo italiano y alemán como la esvástica (invertida), la tipología gótica de los nazis y el prototipo del superhombre de Nietzsche, reinterpretado por los nazis.  Artísticamente los artistas fueron influidos por el monumentalismo (Sáenz de Tejada), el surrealismo (José Caballero) y  el art déco (Tono).

A diferencia del bando republicano, el bando nacional dispuso en un primer momento de menos instrumentos para difundir su propaganda ya que las grandes ciudades habían permanecido leales a la República y con ellas, sus periódicos, emisoras y estudios cinematográficos. Lentamente con ayuda exterior italiana y alemana y absorbiendo los antiguos medios de comunicación republicanos crearon sus propias instituciones.

Además fueron colaboradores gráficos de revistas como Teodoro y Álvaro Delgado en la revista falangista Vértice,  Joaquín Valverde y Domingo Viladomat en Laureados de España; así como cartelistas de organizaciones del bando sublevado como « Auxilio de Invierno» la cual se transformaría luego en «Auxilio Social», y para « Hogares de Reposo del Soldado » y los « Hogares del Herido » los cuales organizaron cursillos de orientación cultural y propagandística.

Del mismo modo que surgieron asociaciones extranjeras en apoyo de la República, las hubo también para apoyar y difundir la propaganda nacional. Así aparecieron « The Spanish Nationalist Relief Committee » en Gran Bretaña o « Les Amis de l’Espagne Nouvelle » en Francia.1

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Sello e insignia de Auxilio Social, junto con carteles de Teodoro Delgado, Cabanas, Sanz de Tejada y , de nuevo, Cabanas.

2. Republicanos

Los carteles republicanos en cambio nos permiten conocer gráficamente la cantidad de partidos y sindicatos de diferentes siglas e ideologías que componían y estaban a favor de la República. De entre todos ellos destacan ya en la época, entre sus partidos, el PSOE; y entre los sindicatos el de la UGT y la CNT.

En los carteles del bando republicano en cambio, se resalta la importancia de la educación, la lucha contra el fascismo, la necesidad de disciplina… todos ellos acompañado de símbolos en vinculados al movimiento obrero y comunista, proyectando hoces, martillos, engranajes, el color rojo… además del uso de  estrellas de cinco puntas las cuales simbolizaban el espíritu internacional de su lucha, en tanto que representan a los 5 continentes, así como a las 5 clases sociales: juventud, militares, obreros, campesinos e intelectuales.

Tal y como aparece en la página de PARES, sus editores fueron muchos, destacando instituciones públicas como el Ministerio de Instrucción Pública, el Ministerio de Propaganda y el Ejército de la República. Entre las entidades privadas toman importancia los sindicatos y los partidos políticos, especialmente CNT-AIT, UGT, PCE, además de Juventudes Libertarias, Altavoz del Frente o las Asociaciones de Amigos de la Unión Soviética.

Obviamente 1938, a un año de la victoria nacional, se convierte en un mal año para el cartelismo republicano. Los republicanos van perdiendo terreno, la moral está por los suelos y muchos talleres cierran por escasez de papel y de tintas.

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Carteles de PSOE, de la Juventud socialista unificada, de Josep Renau para el partido comunista, de la FAI, de la UGT, de la Federación local de Juventudes Libertarias (anarquistas) y del periódico “Verdad” donde cooperaron Partido comunista y PSOE.

La mayoría de los carteles salían de las ciudades republicanas más importantes: Barcelona, Madrid, Valencia y Bilbao, en las cuales crearon sus propios sindicatos de dibujantes como el Sindicato de Dibujantes Profesionales (Barcelona, UGT), el sindicato de Profesionales de Bellas Artes (Madrid, UGT) o el Sindicato de Profesionales Libres de las Bellas Artes (Valencia). De entre los artistas cabe destacar la figura de Josep Renau, creador del cartel de esta entrada, así como director del traslado de las obras del Museo del Prado; y para quien quiera hacerse un tatuaje, aconsejo echar una ojeada a los modernos carteles de Germán HoracioVicente Ballester Marco, y Manolo Prieto creador de portadas de libros y del Toro de Osborne. A mí me encantan.

Además los republicanos crearon exposiciones y concursos de carteles de carácter solidario como la primera que se desarrolló, la exposición de G. Sainz de Morales, A. Carretero y E. Cortiguera en Barcelona, la cual dedicó hasta el 20% de sus ventas a las victimas de la guerra civil; además de las exposiciones en el extranjero que buscaban la solidaridad internacional como la Exposición sobre La revolución Española en Londres o la Exposición Antifascista de Documentos sobre España, en París.

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2 carteles de Germán Horacio y uno de Goico Aguirre para el Frente Popular de Asturias.

Dudas:

¿Llegaron a tener influencia de los carteles revolucionarios rusos?

-Fontseré: Creo que tuvieron influencia, pero no éramos demasiado conocedores de la tradición rusa. La revolución rusa tuvo una enorme influencia en la revolución española en todos los aspectos. Pero no tenía una influencia intelectual, en el sentido que tienen hoy por la profusión de revistas o libros. En las Universidades de hoy se estudian esas cuestiones; vosotros sois más eruditos que nosotros.

 

CONCLUSIÓN:

Siempre me han gustado los carteles. Claros, concisos y de colores brillantes, gracias a su fuerza y atractivo visual se convierten en un potente medio de comunicación que además goza de un lenguaje gráfico casi universal. Gustan tanto a civiles como a políticos, extranjeros, intelectuales, pobres y analfabetos; quienes convierten a sus personajes heroicos en sus fuentes de inspiración y modelos a seguir.

¿Se podría decir por tanto que Delacroix, Goya y Velázquez no son carteles de otro tiempo? ¿No son banderas de unos ideales?

Es entonces cuando surge la polémica entre Ramón Gaya y Joseph Renau sobre qué es y qué no es un cartel. Pero eso es otra historia que podéis leer de su propia mano en la transcripción hecha por la S.B.H.A.C.

 

PD. Si os ha gustado no olvidéis darle a like, comentar o compartir, así me ayudáis a seguir mejorando y otros podrán disfrutarlo.

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Los fusilamientos del 3 de mayo, Francisco de Goya, 1813-1814. Museo del Prado.

 

Fuentes:

Otra forma de ver Wall·E (2008)

En un mundo postapocalíptico donde la Tierra acaba sucumbiendo a la infección parasitaria de la vida humana, nuestro mundo es abandonado a su suerte por la humanidad, ahora habitantes de la nave BnL. En la Tierra Wall·E, un pequeño robot de limpieza, se convierte en la irónica personificación de la última esperanza del ser humano. En un universo donde la basura, las máquinas y los anuncios envuelven el planeta, el hogar de este ingenioso robot  se convierte en el último reducto de humanidad en la Tierra. Entre los inventos, las bombillas y los casetes, la dulzura de una cinta en VHS de Hello Dolly! se convierte en su bien más preciado. El último romántico en la era de las tecnologías, recolector primero de chatarra y después de fragmentos olvidados de vida humana, resulta ser un robot.

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Así, una película para niños se convierte en una lección moral para los adultos, un canto a la humanidad, al arte y a las emociones sobre la hegemonía de las ya ensalzadas tecnologías. Los humanos, abducidos por la facilidades tecnológicas, absorbidos por la publicidad, y perezosos en sus relaciones personales «han perdido todo lo que los hace humanos» (Rod Dreher). Pero el amor y el arte nunca mueren, traspasando incluso las barreras de la realidad, reencarnándose en la figura de Wall·E súbitamente enamorado de EVA, una robot tipo sonda y combate que es enviada a la Tierra para buscar cualquier indicio de vida vegetal que permita a la humanidad volver a su planeta.

 

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Así EVA se convierte en la paloma blanca que con la rama de olivo en su pico devuelve la vida a la Tierra en la historia bíblica del Arca de Noé; o en la inversión o el indulto a la historia de su homónima bíblica Eva, la primera mujer en la Tierra supuesta culpable de la creación del Pecado original, ahora utiliza la planta para comunicarse con la humanidad y salvarla advirtiéndole de que se alejen del «falso dios» de BnL y vuelva a la Tierra (Jim Reardon, guionista de la película) . De igual manera, el amor de Walle-E se convierte en otro símil de la historia griega de Butades de Sición,  en la que su hija en un intento de preservar la imagen de su amante, dibuja la silueta de su sombra en una pared poco antes de que él parta hacía la guerra; silueta que luego Butades de Sición, tal y como lo hace Wall·E con EVA en una de las escenas de la película, convertirá en escultura. Conmemora así con la escena, uno de los primeros mitos del nacimiento del arte según la tradición griega y con ello nos recuerda que cualquier «acto de creación se encuentra ligado a la emoción del amor» (Hrag Vartanian). 

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Es más, al final de la película el impulso que lleva al capitán de la nave a volver a la Tierra  tiene que ver con el arte y el amor. El canto, el baile, la música, y el arte tienen el poder de conectar y de mejorar nuestra comprensión del mundo; el arte como forma de comunicación puede inspirar la revolución, la redención o el cambio. (Bridget McGovern). Y siguiendo este mismo espíritu el director de Wall·E,  Andrew Stanton, decidió crear unos títulos de créditos que completasen la película y demostrasen que la Tierra se podría volver a habitar. Así crearon un positivo epílogo en forma de títulos de crédito dirigidos por Jim Capobianco y el animador Alexander Woo, acompañados por la canción “Down to Earth”, compuesta por Thomas Newman con letra y voz del cantante de rock  Peter Gabriel, la cual es un llamamiento al retorno a la naturaleza y a la vida que, a la par que la animación de los créditos finales, se convierte en la conclusión final de la película, mostrando un proceso de re-civilización de la tierra que surge unido ineludiblemente al nacimiento de nuevos estilos artísticos, y que se termina de desarrollar, casualmente, en algún lugar antes de la revolución industrial…

 

TÍTULOS DE CRÉDITOS:

La historia ineludiblemente vinculada al arte

Análisis de la animación. Periodos de la historia vinculados con uno de los principales estilos artísticos icónicos de la época.

  1. Pinturas rupestres
  2. El arte egipcio y sus jeroglíficos…
  3. Cerámica griega de figuras negras, el colorido del arte minoico…
  4. Los mosaicos romanos
  5.  los bocetos renacentistas, el retorno a la naturaleza, el nacimiento del artista, las creación de las ciudades modernas (¿evocación construcción cúpula Santa María del Fiore por Brunelleschi?)
  6. El romanticismo de Turner.
  7. Puntillísmo del neoimpresionista Seurat inspirado en su obra “Domingo en el parque”
  8. Impresionismo, amapolas de Monet, los girasoles de Van Gogh…
  9. Naturaleza en griego significa “physis” del verbo “phyo” que en español se traduce como “engendrar”, “crecer” y que según Aristóteles, es principio y causa del movimiento.Conclusión: todo parte de la naturaleza.

 

Canción “Down to Earth”, compuesta por Thomas Newman con  letra y voz del cantante de rock  Peter Gabriel. Traducción de Coveralia.

¿Pensaste que tus pies habían sido obligados
por esa gravedad a atraer al suelo?
¿Pensaste que habías sido engañado
por el futuro que habías escogido?
Bien, ven hacía abajo

Todas esas normas no se aplican
Cuando estas en lo alto del cielo
Por eso, ven hacía abajo
Ven hacía abajo

Nosotros estamos yendo abajo, hacia el suelo
No hay sitio mejor al que ir
Tenemos nieve en las montañas
Y ríos aún más abajo
Nosotros estamos yendo abajo, hacia el suelo
Para oír cantar a los pájaros en los árboles
Y la tierra podrá ser contemplada después
De que enviemos las semillas en la brisa

¿Pensaste que escaparías de la rutina
Sólo por cambiar el guion y la escena?
A pesar de todo lo que has hecho por esto
Te asusta siempre el cambio

Tienes mucho en tu pecho
Bien, puedes venir como mi invitado
Por eso ven hacía abajo
Ven hacía abajo

Nosotros estamos yendo abajo, hacia el suelo
No hay sitio mejor al que ir
Tenemos nieve en las montañas
Y ríos aún más abajo
Nosotros estamos yendo abajo, hacia el suelo
Para oír cantar a los pájaros en los árboles
Y la tierra podrá ser contemplada después
De que enviemos las semillas en la brisa

Como los peces en el océano
Nos sentimos en una casa en el mar
Aprendimos a vivir fuera de la buena tierra
Aprendimos a trepar al árbol
Después nos alzamos sobre dos piernas
Pero quisimos volar
Cuando habíamos desordenado nuestro hogar
Y zarpar hacía el cielo

Nosotros estamos yendo abajo, hacia el suelo
No hay sitio mejor al que ir
Tenemos nieve en las montañas
Y ríos aún más abajo
Nosotros estamos yendo abajo, hacia el suelo
Para oír cantar a los pájaros en los árboles
Y la tierra podrá ser contemplada después
De que enviemos las semillas en la brisa

Estamos yendo hacía la tierra
Yendo hacía la tierra
Como bebes al nacer
Yendo hacía la tierra

Redefine tus prioridades
Estas son extraordinarias cualidades

Estamos yendo abajo, hacía el suelo
No hay sitio mejor al que ir
Tenemos nieve en las montañas
Y ríos aún más abajo
Estamos yendo abajo, hacía el suelo
Podremos oír a los pájaros cantar en los árboles
Y la tierra podrá ser contemplada después
De que enviemos las semillas en la brisa

Estamos yendo abajo, hacía el suelo
No hay sitio mejor al que ir
Tenemos nieve en las montañas
Y ríos aún más abajo
Estamos yendo abajo, hacía el suelo
Podremos oír a los pájaros cantar en los árboles
Y la tierra podrá ser contemplada después
De que enviemos las semillas en la brisa

 

Fuentes:

 

De nuevo, espero que os haya gustado y os haya sorprendido tanto como a mí esta nueva forma de ver Wall·E. No olvidéis compartir para que todo el mundo pueda disfrutarla tal y como ahora podemos disfrutarla todos nosotros,  y darle a Like si os ha gustado. Eso me demostrará que voy bien y me animará a seguir escribiendo nuevos artículos que use para sorprendernos. ¡Hasta pronto!

Daniel, leones y otras visiones.

Hoy 21 de julio quiero felicitar a todos los Daniel y de paso iniciar un simpático apartado de iconografía cristiana para todos aquellos que quieran saber identificar a su tocayo en el arte.

Sobra decir que no dudéis en pedirme en los comentarios con antelación los santos o cumpleaños de vuestros familiares, y quizás si es con tiempo, podáis dedicarle una de mis entradas o uno de sus significados. Un regalo muy simbólico y peculiar.

Daniel el Profeta, 21 de Julio.

Empecemos con la figura de “Daniel el Profeta” el cual se conmemora hoy 21 de julio. Nada más empezar su biografía Louis Moureau, sabiamente nos ilustra en torno a la importancia que tiene el nombre del personaje bíblico en relación con su historia: Daniel, nombre de origen hebreo, significa “Aquel que Dios es su juez” ya que “Dan” proviene del verbo hebreo “Din” que significa “justicia”, y “El” es la reducción de “Elohim” que podría ser el equivalente al “único y verdadero de entre todos los dioses”. Por lo tanto su historia se centra en recalcar dicha cualidad de su persona, convirtiendo a Daniel en un modelo de sabiduría y de justicia divina para todos los judíos oprimidos por el rey Antíoco IV durante su escritura en el siglo II a.C.

Daniel de Bernini. Capilla Chigi, Iglesia Santa María del Popolo, Roma

Además Daniel fue uno de los 4 profetas mayores del Antiguo Testamento. Esto significa que es un mediador entre la humanidad y la divinidad, a la vez que puede predecir acontecimientos futuros. En el arte los profetas son representados habitualmente portando unas filacterias, unas cintas de papel enrrolladas, con la transcripción de su profecía en su mano izquierda.  Daniel, en particular, recibió diversas visiones apocalípticas que anunciaban por medio de animales simbólicos la instauración del Reino de Dios sobre la tierra.
Quizás debido a su vinculación con el foso de los leones  es el patrón de los mineros que descienden a las galerías de minas de carbón para trabajar en ellas.

¿Cómo identificar a Daniel en 5 escenas?

Daniel es representado por regla general como un joven imberbe, lo cual lo distingue de los demás profetas, y que en ocasiones, al igual que los 3 reyes Magos y los 3 jóvenes hebreos, aparece tocado con un bonete frigio en alusión a su vida en Babilonia. La representación de un macho cabrío, derivado de su visión apocalíptica, también puede aludir a él. Pero ante todo lo podremos identificar en los ciclos o escenas más icónicas de su vida.

1. El juicio de Susana

El episodio de Susana y los viejos se suele dividir en dos escenas que, según el acento que se ponga a la lujuria del tema o a su castigo, puede convertirse en un tema más erótico o moral. La escena del baño, en especial,  fue una escena bastante representada en el renacimiento y en el siglo XVIII pues se convertía en la excusa perfecta para representar escenas prohibidas de desnudos femeninos. En cambio, la del juicio, fue ampliamente desarrollada en el arte de finales de la Edad Media y en los Ayuntamientos, donde en aquel entonces solía situarse el tribunal de Regidores.

Susana y los viejos:

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Susana y los viejos. Lorenzo Lotto. c.1517. Wikimedia Commons.

Susana, esposa del rico Joaquín, en una de las ausencias de su marido, es atacada por dos ancianos al bañarse en su jardín, los cuales le hacen proposiciones deshonestas. Ante su negativa, los ancianos cumplen sus amenazas, acusándola de adulterio. Pero Daniel escéptico ante la historia de los ancianos, con tan solo 12 años, interviene en el juicio logrando hacerlos interrogar en dos habitaciones separadas donde con sus diferentes respuestas se descubre la verdad e incluso la fallida intención de los asaltantes. En consecuencia los acusadores pasan a ser acusados y son atados a un poste espalda con espalda en el cual son lapidados.

 

2. Los sueños de Nabukodonosor

Como José, Daniel tiene el poder de la clarividencia que le permite explicar los sueños de los reyes babilonios Nabucodonosor y Baltasar.

  1. Sueño del coloso de pies de Barro:
    Nabucodonosor sueña con una estatua gigante de cuatro metales (loro, plata, bronce y pies de hierro con arcilla), que por una piedra desprendida de una peña, le golpea los pies y la destruye. Daniel interpreta el sueño como el fin de sus cuatro pequeños reinos por el reino de Dios, que los destruirá y los reemplazará por su propio reino.

 

  1. Sueño del árbol abatido:  Nabucodonosor vuelve a soñar, pero esta vez con un gran árbol que cobija la todo el mundo y con un ángel que ordena su destrucción para que huyan las bestias que lo habitan. Daniel interpreta el árbol como el propio rey Nabucodonosor que, por su orgullo, será abatido y caerá en la locura paciendo hierba en los campos, como los bueyes, hasta que se arrepienta de sus pecados. La leyenda bíblica dice que la predicción se realiza y Nabucodonosor se metamorfosea en un rumiante.

 

 

3. El festín de Baltasar / Belsasar (Dn 5)

El festín de Baltasar. Johann Heiss 2/2 XVII

Baltasar o Beltrasan hijo, o rey vasallo, de Nabucodonosor, en un banquete o una orgía, profana los vasos de oro y plata robados en el Templo de Jerusalén por su padre. Entonces una mano divina traza la inscripción “Mené, tequel, ufarsin” prodigiosamente sobre un muro y Daniel como intérprete de los sueños del rey descifra el texto como “contado, pesado y divino” que significa que: Dios ha contado los días de su reinado y les ha puesto fin, que su alma has sido pesada en la balanza y Dios la encontró ligero de corazón, y que su reinado será dividido entre medos y persas. Efectivamente esa misma noche Baltasar es asesinado por el medo Darío y termina su reinado.

Por este relato de profanación y libertinaje, Baltasar en la simbología cristiana es considerado como el Anticristo.

 

 

4. Daniel en el foso de los leones (Dn 6,2-29 – Dn 14, 23-42)

Daniel es condenado al foso de los leones en 2 ocasiones. Los 7 leones hambrientos en realidad simbolizan los 7 diablos del infierno que corresponden a los Siete Pecados mortales. Al mismo tiempo, los dos leones enfrentados constituyen un antiguo motivo oriental absorbido por el cristianismo, como se repite en la imagen pagana del dios solar flanqueado por dos leones de fuego o en los bajorrelieves asirios con Gilgamesh entre dos leones.

Daniel and lion
Mosaico bizantino delmonasterio de Housios Loukás, Grecia. Siglo XI. Fuente:www.bibleodysey.org.

Daniel es acusado por los sátrapas ante el rey  por un crimen de”lesa majestad”,es decir, por haber violado el decreto del rey Darío de no dirigir oraciones a dios u hombre excepto al rey so pena de ser arrojado al foso de los leones. Entonces Daniel es arrojado al foso de los leones el cual es sellado con una piedra del anillo del rey. Al día siguiente el foso aun cerrado, es abierto y Daniel está vivo y dice haber sido protegido por un ángel guardián que «cierra la boca de los leones». El rey, que en realidad apreciaba a Daniel, le hace salir del foso y sus delatores son arrojados a los leones que los despedazan.

 

Durante el reinado de Ciro tras la muerte de Baltasar, Daniel será arrojado a los Imagenleones por segunda vez, esta vez por haber envenenado a la serpiente o al dragón sagrado de Baal. Daniel esta vez sobrevive en el foso durante 6 días gracias a que un ángel transportó por el cabello a Habacuc desde Judea a Babilonia para que le entregase a Daniel un cesto de pan y un cántaro de agua, todo ello sin romper el sello del rey ni la piedra que cerrada el foso. Al sexto día, abren el foso y el nuevo rey nuevamente perdona a Daniel y vuelve a arrojar a sus responsables al foso

5. Las visiones apocalípticas

David tiene cuatro visiones apocalípticas con origen en la mitología mesopotámica y persa, que influirán en el posterior Apocalipsis de San Juan. En ellas los animales se convierten en alegorías de sus pueblos, remitiendo a la geografía astrológica de la Antigüedad, que adjudicaba a cada país un signo zodiacal. Aquí recopilo las más representadas por sus símbolos pero también se conoce “La oración de Daniel” y “la visión del fin del día”.

Matthäus Merian, 1630
  1. Visión de las cuatro bestias que salen del mar: 4 símbolos animalísticos de los 4 imperios que precederán la venida del Reino de los santos salen del mar. Son un león alado que designa a Persia, el oso de Media, el grifo de Babilonia y la hidra de Roma/Nabucodonosor/Ciro/Alejandro o Augusto, de 10 cuernos. Con la llegada del undécimo cuerno de la hidra el Reino de los Santos logrará el dominio sobre la Tierra y el “Anciano de Días” (Dios) dará dominio a “uno como un hijo de hombre”. Un ángel es quien le interpreta la visión.
  1. El duelo entre el carnero y el macho cabrío.
    Vision de Daniel en Susa. Stephanus Garsia. Monje ilustrador español. Siglo XI

    En Susa, al borde de un barranco, Daniel vio a un carnero con dos cuernos desiguales que es atacado por un macho cabrío con un solo cuerno sobre la frente. En el golpe los dos cuernos del carnero se parten. El ángel Gabriel, el ángel de la anunciación, se le aparece a Daniel y le explica su significado: los reyes medos y los persas, el carnero de dos cuernos, será derribados por el macho cabrío que es la alegoría del imperio Seyulcida de Alejandro Magno. Es decir, según la geografía zodiacal,  Aries será derrotado por Capricornio.

 

 

 

INTERPRETACIONES SIMBÓLICAS

 

  1. La salvación de los inocentes:

La vida de Daniel junto con la de los 3 hebreos en el horno (compañeros de Daniel) son leyendas bíblicas que aportan a sus creyentes la esperanza de que la justicia divina existe y que nuestras almas podrán ser salvadas de los pecados y de los infiernos. De esta manera sus episodios los encontramos estrechamente vinculados a la plegaria ritual de los agonizantes (Ordo  commendationis animae) una plegaria compuesta en el siglo II por San Cipriano de Antioquia que clama la salvación divina sirviéndose del ejemplo de estos supervivientes gracias a su fe.

 «Libra Señor el alma de tu siervo como has librado a Daniel en el foso de los leones, a los tres hebreos del horno y a Susana de una falsa acusación».  Traducción aproximada.

Este es el motivo por el cual, junto con la escena de los 3 hebreos en el horno, su vida es ampliamente representada en las catacumbas debido al significado salvífico de las almas de los fallecidos. Proliferan a su vez en el arte paleocristiano del siglo III, y en el posterior arte bizantino y oriental donde será un tema muy explotado. En las catacumbas y capiteles los episodios suelen aparecer en forma de ideograma, con el tema muy simplificado, como la simple  figura de Daniel orante entre 2 leones. Este episodio, al contrario que el de los 3 hebreos, se perpetúa hasta la época de las grandes invasiones en donde incluso se encuentra en hebillas de cinturones de los pueblos nómadas y en la Edad Media donde Daniel aparece con un extraño nimbo, siendo muy recurrente en capiteles de iglesias románicas hasta que acaba desapareciendo con el gótico.

 

2. El significado del nombre

El significado de los nombres de nuevo tiene mucho que ver en el transcurso de su historia. Daniel, “Aquel que Dios es su juez” , en el episodio de Susana y los viejos, muestra la sabiduría de un niño precoz y hace honor a su nombre convirtiendo su sabiduría en justicia divina, a la vez que Susana “hija de los lirios”, muestra con su nombre la flor simbólica de la pureza virginal de la virgen. Además Susana representa  el alma cristiana salvada, por lo que también puede ser representada en forma de alegoría mostrándose en capiteles a un cordero entre dos lobos.

 

3. Prefiguración del Nuevo Testamento

La vida de Daniel corre pareja a multitud de reinterpretaciones. Por ejemplo, ser alimentado por el profeta Habanuc se convierte en una prefiguración de la última cena y en un símbolo eucarístico; como la galleta de pez con la que Daniel envenena al dragón. El culto mariano en el siglo XII también dotará de un nuevo significado a la escena del foso de los leones, vinculado a la salvación o la Maternidad de la Maria. Pero sobre todo, sobrevivir y escapar del foso sellado y de su muerte se convierte en prefiguración del descenso a los infiernos de Cristo o de su resurrección. De esta manera el Antiguo Testamento, como en otros muchos de sus episodios, se convierte en un prólogo prefigurativo del Nuevo Testamento.

 

 

Por último, y no alargo más la entrada que ya bastante larga se me ha quedado para variar… no olvidéis ir arriba de la página y darle a like si os ha gustado y nos vemos en los comentarios!

Los artistas en la Guerra Civil española. (1) Introducción.

Hoy es 18 de julio y cumplimos, desgraciadamente, el 80 aniversario de la irreparable Guerra Civil española. Este mismo día en 1936 Mola en Pamplona, Goded en las Baleares y Franco en Canarias, lograrán alzarse contra la Segunda República siendo el principio de una dolorosa guerra civil que terminará con la victoria nacional en 1939.

Ahora, vinculándolo más al arte, me pregunto… ¿Qué fue de los artistas durante la guerra civil?

Y como siempre que hago un post encuentro más temas de los que puedo reducir a una entrada, voy a hacer un nuevo apartado del blog llamado “Los artistas de la guerra civil”, porque creo que no merecen menos.

 

1. Introducción a la guerra civil

En 1923 el general Primo de Riera dio un golpe de estado apoyado por el monarca Alfonso XIII contra la Constitución de 1876, instaurando continuas dictaduras militares desde el 1923 a 1931.  Por estas circunstancias el pueblo desconfía de Alfonso XIII y buscará la república pidiendo elecciones municipales en enero de 1931.

 era una hora de definiciones… Hay que estar con el rey o contra el rey”  Indalecio Prieto, líder del PSOE, 1930.

Como era de esperar, el pueblo, traicionado, crea  el Pacto de San Sebastián donde se unen casi todos los partidos republicanos y en última instancia PSOE y UGT con el fin de poner fin a la monarquía y crear una Segunda República. Los republicanos ganan las elecciones en casi todas las comunidades (salvo en las Islas Canarias, Baleares, León, Valladolid y Navarra, entre otras)  y surgen manifestaciones multitudinarias contra el rey que le obligan abandonar el país. Desde 1931 a 1936 gobernará el país la Segunda República.

«Los republicanos, como eran legos en materia de gobierno, forzaron tanto el motor que lo quemaron.»   Juan Eslava Galán, Historia de España contada para escépticos.

Porque, digan lo que digan, la vida no es blanca o negra, suele ser color hormigón. La república fue un gran proyecto lleno de expectativas y buenas intenciones consumidas, como siempre, por los viles actos de unos pocos. El secreto proyecto de liberar al pueblo de la profunda influencia de la Iglesia y devolvérselo a los libros fue desvelado al tolerar la quema de templos y conventos por parte de descontentos y  descontrolados. Grandes conquistas como el matrimonio civil, el divorcio o la creación de escuelas públicas amenazaban el poder de la Iglesia la cual, con su influencia, cobijó a la burguesía y alta cuna que temían perder sus privilegios en una heterogénea república que abarcaba desde monárquicos a socialistas, comunistas y anarquistas. Todos tenían cabida en la república, incluso esos monárquicos y burgueses que tanto la detestaban podrían encontrar su representación en la CEDA (Confederación española de Derechas Autónomas), la cual ganó las elecciones del 1936, primeras elecciones en las que las mujeres tuvieron voto. Aún así fue un periodo de inestabilidad por los continuos alzamientos anarquistas y militares (como el de Sanjurjo). Con las numerosas influencias fascistas (Italia y Alemania), y comunistas (Rusia),  las posturas se radicalizaron, y tras las elecciones de enero de 1936, con la victoria del Frente Popular (una coalición de partidos izquierdas), las llamas se prendieron con los asesinatos del teniente Castillo, izquierdista, y con el asesinato del parlamentario de derecha Calvo Sotelo. Finalmente los militares, cansados de esperar, se coordinaron rebelándose el 18 de julio de 1936.

Goya. Duelo a garrotazos. 1820. La historia se repite.

 

Los artistas en la guerra

Resumir todos los antecedentes de la guerra civil no es fácil. Y obviamente me dejo unos cuantos. Pero en resumen quería mostrar ese gris hormigón y esa diversidad de partidos que componían la Segunda República y siguieron luchando durante la Guerra Civil.  Ahora, vayamos a los artistas.  

El arte vive gracias a sus compradores ya sea el propio estado o particulares. Habrán obras personales del artista pero, en general, los artistas requieren del comprador para sobrevivir y, en consecuencia, directa o indirectamente viven influenciados en más o en menos medida, por los gustos de la época y por la sociedad en la que viven. Así que, ¿qué ocurre en una época de crisis o guerra?

Descienden los compradores de arte, ahora más interesados en subsistir en su tierra que en engalanar sus hogares, y el artista sufre su perdida. Grandes marchantes, si son inteligentes, compran las obras para salvarlas (más baratas dada la necesidad de subsistir del artista) y venderlas (más caras) a países más prósperos. Un gran negocio para rateros y desalmados pero también para grandes corazones, como los de brigada de “Monuments and Fine Art and Archives de la Segunda Guerra Mundial (reproducida en la película “Monuments Ment” de George Clooney), como los responsables de la evacuación del Prado durante la Guerra Civil con Josep Renau joven cartelista y el arquitecto Vaamonde como sus directores; o la importante labor que están llevando a cabo hoy día los equipos de la UNESCO para salvar el patrimonio de Oriente amenazado por el ISIS.

Foto: Destrucción de obra de arte en Nimrud a cargo de ISIS
Fotografía del periódico “El Confidencial”. ISIS en Irak, 2015.

 

¿Qué fue de los artistas durante la Guerra civil española?

El número de obras de arte durante la guerra civil, obviamente por los motivos que he explicado antes y por las numerosas destrucciones de templos y arte sacro, descendió, y los artistas tuvieron que buscar nuevas maneras de subsistir, exiliándose o luchando por sus ideales en un bando o en el otro.  Así, entre otras misiones, los artistas se encargaron de participar en importantes labores de propaganda diseñando carteles, exponiendo la situación del país al exterior presentando obras a Congresos Internacionales, usar la poesía para arengar y recordar a sus compañeros en la batalla, escribir en periódicos, educar a sus soldados… Actividades que iré rememorando en las siguientes entradas de este apartado 😉

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Como siempre, muchas gracias por leerme y si os ha gustado darle a Like!, que siempre anima a seguir escribiendo. Y aquí, aquellos grandes libros que me han ayudado tanto a aficionarme a la guerra civil como a seguir escribiendo esta entrada:

-“Los girasoles ciegos” de Alberto Méndez = Cruenta mirada de 4 pequeños relatos conectados sobre la vida de sus personajes durante la Guerra civil española. Atroz.

-“El Lápiz del Carpintero” de Manuel Rivas = Gran novela para aquellos más positivos y que les guste las novelas con algún romance de por medio. Personalmente, me encantó.

-“Luna de Lobos” de Julio Llamazares = Supervivencia de 4 jóvenes escondidos en la montaña tras la victoria del ejército nacional y la consiguiente persecución de los republicanos por los nacionales. Llena de intriga y dolor.

-“Historia de España contada para escépticos” de  Juan Eslava Galán.= Para aquellos que se quieran echar una risa al tiempo que conocen de manera general la historia de su país. Estupenda.

-“Una historia de la Guerra civil que no le va a gustar a nadie”, de nuevo, de Juan Eslava Galán. = Una mirada más profunda y documentada de la guerra civil española. Puede ser pesada para aquellos que no estén familiarizados con tantos personajes que tomaron parte en el desarrollo de la guerra. Un compendio documentado de barbaridades de ambos bandos.

 

A un poeta muerto.

Reflexiones.

Poema de Luis Cernuda, poeta de la Generación del 27, tras conocer el fusilamiento de Federico García Lorca. El resto del poema lo dice todo:

 

A UN POETA MUERTO

Así como en la roca nunca vemos
La clara flor abrirse,
Entre un pueblo hosco y duro
No brilla hermosamente
El fresco y alto ornato de la vida.
Por esto te mataron, porque eras
Verdor en nuestra tierra árida
Y azul en nuestro oscuro aire.

Leve es la parte de la vida
Que como dioses rescatan los poetas.
El odio y destrucción perduran siempre
Sordamente en la entraña
Toda hiel sempiterna del español terrible,
Que acecha lo cimero
Con su piedra en la mano.

Triste sino nacer
Con algún don ilustre
Aquí, donde los hombres
En su miseria sólo saben
El insulto, la mofa, el recelo profundo
Ante aquel que ilumina las palabras opacas
Por el oculto fuego originario.

La sal de nuestro mundo eras,
Vivo estabas como un rayo de sol,
Y ya es tan sólo tu recuerdo
Quien yerra y pasa, acariciando
El muro de los cuerpos
Con el dejo de las adormideras
Que nuestros predecesores ingirieron
A orillas del olvido.

Si tu ángel acude a la memoria,
Sombras son estos hombres
Que aún palpitan tras las malezas de la tierra;
La muerte se diría
Más viva que la vida
Porque tú estás con ella,
Pasado el arco de tu vasto imperio,
Poblándola de pájaros y hojas
Con tu gracia y tu juventud incomparables.

Aquí la primavera luce ahora.
Mira los radiantes mancebos
Que vivo tanto amaste
Efímeros pasar junto al fulgor del mar.
Desnudos cuerpos bellos que se llevan
Tras de sí los deseos
Con su exquisita forma, y sólo encierran
Amargo zumo, que no alberga su espíritu
Un destello de amor ni de alto pensamiento.

Igual todo prosigue,
Como entonces, tan mágico,
Que parece imposible
La sombra en que has caído.
Mas un inmenso afán oculto advierte
Que su ignoto aguijón tan sólo puede
Aplacarse en nosotros con la muerte,
Como el afán del agua,
A quien no basta esculpirse en las olas,
Sino perderse anónima
En los limbos del mar.

Pero antes no sabías
La realidad más honda de este mundo:
El odio, el triste odio de los hombres,
Que en ti señalar quiso
Por el acero horrible su victoria,
Con tu angustia postrera
Bajo la luz tranquila de Granada,
Distante entre cipreses y laureles,
Y entre tus propias gentes
Y por las mismas manos
Que un día servilmente te halagaran.

Para el poeta la muerte es la victoria;
Un viento demoníaco le impulsa por la vida,
Y si una fuerza ciega
Sin comprensión de amor
Transforma por un crimen
A ti, cantor, en héroe,
Contempla en cambio, hermano,
Cómo entre la tristeza y el desdén
Un poder más magnánimo permite a tus amigos
En un rincón pudrirse libremente.

Tenga tu sombra paz,
Busque otros valles,
Un río donde del viento
Se lleve los sonidos entre juncos
Y lirios y el encanto
Tan viejo de las aguas elocuentes,
En donde el eco como la gloria humana ruede,
Como ella de remoto,
Ajeno como ella y tan estéril.

Halle tu gran afán enajenado
El puro amor de un dios adolescente
Entre el verdor de las rosas eternas;
Porque este ansia divina, perdida aquí en la tierra,
Tras de tanto dolor y dejamiento,
Con su propia grandeza nos advierte
De alguna mente creadora inmensa,
Que concibe al poeta cual lengua de su gloria
Y luego le consuela a través de la muerte.

Como leve sonido:
hoja que roza un vidrio,
agua que acaricia unas guijas,
lluvia que besa una frente juvenil;

Como rápida caricia:
pie desnudo sobre el camino,
dedos que ensayan el primer amor,
sábanas tibias sobre el cuerpo solitario;

Como fugaz deseo:
seda brillante en la luz,
esbelto adolescente entrevisto,
lágrimas por ser más que un hombre;

Como esta vida que no es mía
y sin embargo es la mía,
como este afán sin nombre
que no me pertenece y sin embargo soy yo;

Como todo aquello que de cerca o de lejos
me roza, me besa, me hiere,
tu presencia está conmigo fuera y dentro,
es mi vida misma y no es mi vida,
así como una hoja y otra hoja
son la apariencia del viento que las lleva.

Como una vela sobre el mar
resume ese azulado afán que se levanta
hasta las estrellas futuras,
hecho escala de olas
por donde pies divinos descienden al abismo,
también tu forma misma,
ángel, demonio, sueño de un amor soñado,
resume en mí un afán que en otro tiempo levantaba
hasta las nubes sus olas melancólicas.

Sintiendo todavía los pulsos de ese afán,
yo, el más enamorado,
en las orillas del amor,
sin que una luz me vea
definitivamente muerto o vivo,
contemplo sus olas y quisiera anegarme,
deseando perdidamente
descender, como los ángeles aquellos por la escala de espuma,
hasta el fondo del mismo amor que ningún hombre ha visto.

 

Luis Cernuda

Descubriendo el mito…Romulo y Remo, Moises y Warcraft 2?

 

¡Cuánto tiempo!

Como lo prometido es deuda y dije que volvería tras exámenes aquí me tenéis! Pisando fuerte con mi primera entrada del apartado que voy a dedicar a  “Descubriendo el mito”  con una pregunta descabellada que dice así:

 

¿Qué tienen en común Rómulo y Remo, Moises y Warcraft?

 

Vaya disparate, ¿eh?.  Bueno, pues resulta que ayer fui a ver la película de “Warcraft, el origen” y, a parte de lo mucho que me gusta la animación y los mundos de fantasía épica, lo que más me obsesionó fue que cerca del final de la película, reproducen uno de los fragmentos MÁS repetidos en la historia de los mitos y leyendas, y es… (ALERTA SPOILER)

Sigue leyendo “Descubriendo el mito…Romulo y Remo, Moises y Warcraft 2?”

PULITZER 2016 y GÉRICAULT 1819

Ayer se celebró el centenario de los Premios Pulitzer: los “Oscars” del periodismo, la literatura y la composición musical en los Estados Unidos.  Premian en total 21 categorías, cinco de literatura, dos de teatro y música y  catorce de ellas periodísticas que abarcan desde largas investigaciones a fotografías o caricaturas.

La cuestión es que ayer viendo las fotografías premiadas me impactó la de Sergey Ponomarev del The New York Times. Y es que no he sido la única que se ha dado cuenta del gran parecido de esta fotografía de los refugiados con una pintura de hace dos siglos.

¿Sabéis cual es?

Sergey Ponomarev,The New York Times – November 16, 2015

 

 

Y aquí la pintura:

 

La balsa de la Medusa, Théodore Géricault (1819)

 

 

Siendo objetiva puede que vosotros no le veáis más parecido que la tormenta y los náufragos pero os voy a contar la historia:

 

En junio de 1816 la fragata francesa Méduse salió de Rochefort con rumbo al puerto senegales de Saint-Louis. Su objetivo era aceptar la devolución británica de la colonia de Senegal a Francia tras la Paz de Paris. La Méduse, junto con el nuevo gobernador de Senegal, dirigía un convoy compuesto por otras 3 embarcaciones:el buque-bodega Loire, el bergantín Argus y la corbeta Écho

La cuestión es que el 2 de julio de 1816 la fragata Méduse se fue al garete frente a la costa de Mauritania. (Sí, aunque no lo creáis “irse al garete” es el termino naval para decir que una embarcación se ha descontrolado). Ella se desvió de su rumbo hasta que colisionó con un banco de arena en la bahía de Arguin, en la costa de África Occidental, cerca de la actual Mauritania. Todo ello se debió a la incompetencia de su capitán, un enchufado político que apenas había navegado en 20 años. Además había desdeñado los consejos de los expertos oficiales navales a sus ordenes. Viendo que no podían desencallar el banco decidieron entonces salvar los 60km que los separaban de la costa africana en los 6 botes que portaba la fragata. Pero sólo cabían en los botes 250 personas y eran 400 contando con los 160 marineros. Ya podéis imaginaros por donde voy… El resto de la tripulación 146 hombres y una mujer decidieron construir una balsa de 20x7m donde sólo podían mantenerse de pie. Era tal el peso que el agua les llegaba hasta la cintura, pero al menos flotaban. Aún así 17 miembros de la tripulación decidieron quedarse a bordo de la Medusa. Los botes entonces debían arrastrar con ellos la balsa para llegar todos a la costa pero a mitad del trayecto los cabos que las unían se soltaron. ¿? Los botes, el capitán y el impaciente nuevo gobernador de Senegal abandonaron a los pasajeros de la barca a su suerte.

En la primera noche 20 personas se suicidaron o fueron asesinadas dentro de la barca, quizás porque sólo se les entrego una bolsa de galletas y los 2 contenedores de agua que se cayeron por la borda durante las peleas. Los supervivientes de la balsa sufrieron tormentas, la sed, el hambre y la desesperación. Muchos cayeron en la locura. Se produjeron asesinatos y homicidios deliberados de los más débiles que acabaron en actos de canibalismo. Después de 13 días la balsa fue rescatada por casualidad por una de las naves del convoy inicial. Sólo habían logrado sobrevivir 15 hombres. Ya en Senegal murieron 5 más. Sólo llegaron a Francia 10.

Lo ocurrido se convirtió en un escándalo internacional y una vergüenza para la recientemente restaurada monarquía francesa tras el Imperio de Napoleón. El capitán fue depuesto, y el gobernador y el ministro destituidos.

¿Es cosa mía o eso de dar la espalda a los naúfragos sigue a la orden del día?

Sea como sea, y tal y como ha hecho hoy Sergey Ponomarev, Théodore Géricault (1791-1824)  un pintor francés de la época sintió que debía plasmar la noticia. Se pasó meses recabando información de ella, entrevistó a dos de sus supervivientes (uno de ellos el cirujano Jean-Baptiste Savigny quien inició los homicidios deliberados) y realizó multitud de estudios anatómicos de moribundos y miembros amputados en hospitales. Hizo del suceso 2 estudios completos: la mutilación de los amotinados y el posterior canibalismo. Pero finalmente aspirando a igualar la grandeza de David en la pintura de historia se centró plasmar la victoria de los supervivientes de la balsa y la redención de su sufrimiento en vez de los horrores vividos en ella. Es por ello por lo que abandonó la ferviente verosimilitud del hambre, la insolación y las heridas en los cuerpos de sus protagonistas en pro de mostrar su dominio del desnudo y de la figura anatómica más ideal. Así La balsa de la Medusa se convirtió en una obra de transición entre la pintura más tradicional (composición triangular clásica, anatomías de formas ideales) y el nuevo camino hacia el romanticismo. Porque pese a que hoy día creamos que el romanticismo solo abarca pinturas de “romances” también engloba las pinturas más irracionales, violentas y dramáticas. Como dice Rosenblum de ella (aunque considero que podría valer para las dos imágenes):

La Medusa señala el fin del movimiento ilustrado, desvelando la verdad oscura y aterradora que se esconde bajo la tapadera de la razón. 

 

C’est fini!

Espero que os haya gustado y que no sea muy complicado. Para cualquier duda, ampliación: ¡comentarios! Y si os ha gustado, like y compartir. Que siempre se agradece mucho 😉  

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BIOGRAFÍA:
  • Robert Rosenblum y H.W. Janson “El arte del siglo XIX” EDITORIAL AKAL, 1992
  • Stephen F. Eisenman y Thomas E. Crow. Ediciones AKAL, 2001
  • *Los datos técnicos de la historia en la cita son un resumen, transformación del contenido que hay en Wikipedia más algunas corroboraciones propias de  los anteriores libros.